Die Sonderedition «Mission» von Uwe Wittwer besteht aus drei grossformatigen Tiefdrucken, die von seiner charakteristischen malerischen Bildsprache geprägt sind. Sie basieren auf Aquarellen, die als Heliogravüren auf die Druckplatte übertragen wurden. Monochrome Flächen in warmen, rostig anmutenden Tönen – ein Kompositionselement, das hohe drucktechnische Kunstfertigkeit verlangt – spannen einen Bogen über die Serie und betonen den fragmentarischen Charakter des Dargestellten. Die braune Farbe geht auf das «Caput mortuum» Eisenoxidpigment zurück, das Wittwer oft für die Grundstruktur seiner Ölgemälde verwendet.

Die Serie zeigt Figuren, die unterschiedliche geografische und zeitliche Assoziationen wecken mögen: einen Knaben mit Insignien, eine verdoppelte Figur in langem Gewand sowie ein mit Menschen besetztes Boot unter dem Sternenhimmel. Wie so oft bei Wittwer, sind die Motive an bestehendes Bildmaterial angelehnt. In diesem Fall stammen die Referenzen aus den fotografischen Beständen des Pitt Rivers Museums in Oxford. Das Museum wurde 1884 gegründet, als der britische Marineoffizier, Ethnologe und Archäologe Augustus Pitt Rivers (1827-1900) seine Sammlung der Universität Oxford übergab. Besonders an der Dauerausstellung ist die Klassifizierung der Exponate nach Objekttyp, die auf Wunsch von Pitt Rivers bis heute unverändert bleibt. Wittwer entdeckte die Sammlung im Jahr 2006 und war fasziniert von der Präsentation, die grundlegende Fragen zum Umgang mit Artefakten aus anderen Kulturen aufwirft.

Die historischen Fotografien der stetig wachsenden Sammlung des Museums wurden hauptsächlich durch Schenkungen von Kolonialbeamten, Missionaren, Reisenden und Gelehrten akquiriert. Für Wittwer, der sich seit 2020 intensiv mit dem Zusammenhang zwischen kolonialer Expansion, Religion und Handel befasst, stellen diese Bestände ein spannendes Recherchematerial dar. In der Edition «Mission» werden die referenzierten Bilder im kreativen Prozess mehrfach entfremdet und verändert. Details verschwimmen in der malerischen Übersetzung, Schäden und materielle Spuren auf den Bildträgern werden Teil der Komposition, es werden mit der Pinselätzung neue Akzente gesetzt und mit der Aquatinta das Fragmentarische hervorgehoben. Durch diese mehrschichtige Dekonstruktion des Bildes reflektiert Wittwer sowohl das ursprüngliche Dokument als auch den Kontext seiner Entstehung. Die Transformation macht den Blick des Fotografen sichtbar, der selten neutral ist.

Uwe Wittwers künstlerische Praxis umfasst Ölmalerei, Aquarell, Kohlezeichnung, Druckgrafik sowie skulpturale Arbeiten auf Glas. Das Interesse am Wahrheitsanspruch, der Neutralität und dem Realitätsbezug von Bildern zieht sich wie ein roter Faden durch sein Œuvre. Die Sonderedition «Mission» erscheint in Zusammenarbeit mit dem Musée Jenisch Vevey anlässlich der dortigen Retrospektive «Avant que le verre ne cède / Glass is Cracking Silently» (1. Mai bis 9. August 2026).

Filme sind eine wichtige Inspirationsquelle für Uwe Wittwer. Vorlagen für diese neuen Arbeiten, wie auch für frühere, grosse Werkgruppen, sind Filmstills von Klassikern des letzten Jahrhunderts. Die hier verwendeten Filme stammen von Derek Jarman (The Last of England, 1987), Michelangelo Antonioni (Blow Up, 1966) und Kenji Mizoguchi (Ugetsu monogatari, 1953). "The Last of England" widerspiegelt die Stimmung, welche Jarman in Grossbritannien der 1980er Jahre wahrnimmt. Er zeichnet ein negatives Bild des Landes: Drogen, Gewalt, Zerstörung durchziehen den Film. Wittwer überblendet die Bilder mit Zeilen aus dem grossen Gedicht "The Waste Land" von T.S. Eliot. Antonionis Film handelt von einem Fotografen, der auf einer Fotografie ein Verbrechen zu entdecken glaubt. Ist das Bild wahr Was ist Wirklichkeit und was Imagination Das sind Fragen, die sich auch durchs künstlerische Werk von Uwe Wittwer ziehen. Mizoguchi erzählt die Geschichte einer Familie in Japan des 16. Jahrhunderts. Dem Vater, einem Töpfer, ist seine Handwerkskunst mehr wert als seine Familie - die Geschichte endet tragisch. Das Thema Keramik widerspiegelt unter anderem ein starkes persönliches Interesse Uwe Wittwers. Geschichtliche, kulturelle, persönliche Beziehungen durchweben diese Bilder. Jedes beginnt eine eigene Erzählung: es wird angedeutet, überblendet, verfremdet, Assoziationen werden gestreut - ein neuer, poetischer Film rollt ab.

Eine Achterbahn in desolatem Zustand, Fotografien wie aus einem alten Familienalbum und ein Auto aus den 1950er Jahren vor einem Haus: Mit den drei neuen Heliogravüren von Uwe Wittwer blicken wir zurück. Es sind Erinnerungsspuren wie auch Archive von Emotionen. Erinnerungen sind generell nicht sehr exakt - vor allem besitzen die persönlichen eine eher selektive Genauigkeit, oft verwischen sich die Fakten. Die Hauptquelle für die Vorlagen ist das Internet. Uwe Wittwer übernimmt die recherchierten Bilder nicht 1:1, sondern verfremdet sie, kehrt sie ins Negativ, entfernt oder fügt Elemente hinzu. Die Bilder auf dem Blatt "Wandstück" kommen als Vorlagen für Gemälde, Aquarelle und Inkjet-Drucke in Wittwers Oeuvre vor. Sie gehören thematisch zum Zyklus "Verwehung" und zeigen Sujets aus Ostpreussen der 1930er und 1940er Jahre. Jetzt sind die sechs Abbildungen auf einer zartblauen Tapete arrangiert, begleitet von sechs schwarzen Punkten. Solche Punkte, auch weisse, finden sich auf allen drei Blättern. Sind es Kugeln, schwarze Sonnen, Planeten, Schattenwürfe, Reflexionen, Auslassungen in der Erinnerung Der Titel "Haus" deutet darauf hin, dass die Gewichtung nicht auf dem Auto im Vordergrund, sondern auf dem Gebäude im Hintergrund liegt. Amerikanische Vorstadt, Idylle, Verbrechen Der Film spielt sich nun im Kopf des Betrachters ab. "Gradient", der Titel des ersten Blattes, bedeutet allgemein eine Steigung. Grafiker bezeichnen so auch einen kontinuierlichen Farb- und Helligkeitsübergang. Uwe Wittwer versteht es meisterhaft, den breitgefächerten Übergang von der Realität zur Reminiszenz, den Gradient der Erinnerung, zu inszenieren.

Uwe Wittwer hat auf seiner Reise durch die Kunstgeschichte bei Nicolas Poussin (1594-1665) halt gemacht: die Motive für seine zwei neuen Arbeiten stammen von den Gemälden "Die Hirten von Arkadien/Et in Arcadia ego" und "Bacchanal vor einer Pan-Statue". Die im Internet gefundenen und im Computer bearbeiteten Bilder dienten als Vorlage für einen vielschichtigen druckgrafischen Prozess. Die Aneignung dieser kunsthistorisch bedeutenden Gemälde via Internet und der (komplexe) Verfremdungsprozess bedeuten keine Trivialisierung der beiden Kunstwerke. Wittwer verankert sie neu. Die Bacchantinnen und ihre vom Wein beseelten "Kollegen" tanzen bei Wittwer fast wilder als bei Poussin. Die Andeutung der Bewegungen und die Konstellationen der Figuren lassen das Ungezügelte erahnen. Im Arkadien Poussins stehen/knien vier Personen um einen Sarkophag herum, der die Inschrift "Et in Arcadia ego" trägt: Ich (der Tod) bin auch in Arkadien (an einem paradiesischen Ort). In der Arbeit von Wittwer fehlt der Sarkophag und somit der Tod, es wird aber durch die vordere, kniende Figur mit ausgestreckter Hand auf ihn verwiesen. Man kann dies vielleicht als "postmoderne Freistelle" bezeichnen. Alle Arten von Hypothesen können als Füllmenge oder Ersatz gebraucht werden. Wittwer katapultiert das Bild aus der Mitte des 17. Jh. ins Jetzt, vereinfacht es, weitet seine Interpretationsfläche aber auch aus. Er belässt den arkadischen Hirten das Melancholische und uns - wie auch Poussin schon vorher - die Fragen.

"Mein Werk beschäftigt sich zentral mit der Befragung des Bildes als Gegenstand und Erscheinung, dessen komplexer Wirklichkeit und Wirkung auf uns, und der Rolle des Bildes im historischen, kunsthistorischen und gesellschaftlichen Kontext. Dabei kommen verschiedenste Medien zum Einsatz, von tradierten Techniken, wie der Oel- und Aquarellmalerei bis hin zu Inkjet-Drucken und Multimedia-Arbeiten. Die zwei neuen Inkjet-Editionen befassen sich wiederum mit der Thematik der Referenz. Es sind dies jeweils Negativarbeiten, welche sich auf Chardin und Davidsz beziehen. Zu diesem ganzen Fragenkomplex und der dazugehörenden Arbeitsmethode ist von Christoph Vögele ein ausführlicher Text mit dem Titel, Das doppelte Bild anlässlich der letztjährigen Solothurner Museumsausstellung publiziert worden. Die beiden Arbeiten schliessen einen Zyklus ab, welcher mit drei Editionen in der Fondation Beyeler und im Ludwigforum Aachen letztes Jahr begonnen wurde."

«Mein Werk beschäftigt sich zentral mit der Befragung des Bildes als Gegenstand und Erscheinung, dessen komplexen Wirklichkeit und Wirkung auf uns, und der Rolle des Bildes im historischen, kunsthistorischen und gesellschaftlichen Kontext. Dabei kommen verschiedenste Medien zum Einsatz, von tradierten Techniken, wie der Oel- und Aquarellmalerei bis hin zu Inkjet-Drucken und Multimedia-Arbeiten. Für die beiden neuen Blätter, die ich für den VFO geschaffen habe, bin ich zur Aquatinta-Technik zurückgekehrt. Diese erlaubt mir, ähnlich der Arbeitsweise im Aquarellieren, durch feine Pinselstriche, Schicht über Schicht ins Dunkle hinein zu malen. Beide neuen Blätter sind Referenzarbeiten zu kunsthistorischen Vorlagen der niederländischen Stilllebenmalerei des 17. Jahrhunderts. Mit der Technik der Umkehrung ins Negativ werden die Motive in die heutige Zeit transportiert und zur Diskussion gestellt.»